Реферат: Дизайн ювелирных изделий: от ритуала к моде - текст реферата. Скачать бесплатно.
Банк рефератов, курсовых и дипломных работ. Много и бесплатно. # | Правила оформления работ | Добавить в избранное
 
 
   
Меню Меню Меню Меню Меню
   
Napishem.com Napishem.com Napishem.com

Реферат

Дизайн ювелирных изделий: от ритуала к моде

Банк рефератов / Культурология

Рубрики  Рубрики реферат банка

закрыть
Категория: Реферат
Язык реферата: Русский
Дата добавления:   
 
Скачать
Microsoft Word, 496 kb, скачать бесплатно
Заказать
Узнать стоимость написания уникального реферата
Текст
Факты использования реферата

Узнайте стоимость написания уникальной работы

Содержание

Введение

Ювелирное творчество Древнего мира

Влияние древнегреческой культуры

Религиозное средневековье и яркий ренессанс

Время бриллиантов и цветов

Камни в ювелирном деле

Ювелирное искусство в России.

Фаберже придворный ювелир

 История дома Фаберже

 Дизайн и стиль

 Эмали

 Драгоценные металлы

 Самоцветы и поделочные камни

 Фигурки животных

 Цветы

 Статуэтки

 Пасхальные яйца

Заключение

Список литературы

Введение

Ювелирное дело одно из многогранных проявлений художественной деятельности человека, один из видов народного творчества. В основе техники ювелирного дела лежат ручные, известные еще в глубокой древности, приемы обработки материалов, за многовековую историю затем многократно усовершенствованные. Многие ювелирные изделия являются одновременно носителями определенных материальных ценностей и произведениями высокого искусства. Ювелирное же искусство в целом часть культуры народов, часть истории различных эпох и общественных систем, начиная с древнейших времен и вплоть до наших дней.

Еще доисторический человек использовал драгоценные камни для украшения и нет, наверное, ни одной эпохи в истории человечества, когда бы люди не находили прелести в многоцветном великолепии минералов.

Ювелирное творчество Древнего мира

Историю создания прообраза ювелирных изделий можно проследить еще со времен до нашей эры. 20 000 лет назад люди использовали в качестве так называемых теперь нательных украшений необработанные природные материалы (янтарь, камни, кость); вероятно, уже тогда человек осознанно придавал важное значение красоте и испытывал удовольствие, украшая себя. Но в тяжелой борьбе за выживание, в процессе столкновения с силами природы ему приходилось ограничиваться жизненно необходимым, а поэтому то, что мы сегодня называем украшениями, выполняло в то далекое время и свою вполне определенную дополнительную функцию: цепочки из костей, клыков и когтей добытых зверей считались чудодейственными талисманами для охотников, а всевозможные амулеты оберегами от влияния необъяснимых сил природы и злых духов.

Приблизительно 6000 лет назад человек научился обрабатывать металл, и долгие годы затем всё, что из него (металла) изготовлялось, делал кузнец: инструменты, оружие, украшения. Но с течением времени при постоянном усовершенствовании методов обработки металлов и появлении новых назрела настоятельная необходимость разделения труда ремесленников металлообрабатывающей отрасли, и тогда постепенно из их рядов выделился ювелир, который стал заниматься изготовлением исключительно ювелирных украшений и декоративной утвари из золота, серебра, меди, бронзы и железа. Впрочем, поскольку процесс такой специализации происходил на протяжении долгого времени и в различных культурных средах протекал в разное время, указать болееменее точно, когда же появилась такая профессия, как ювелир, трудно.

В ранний период железного века, т. е. 5000 лет назад, власть имущие, люди высшего сословия, желая внешне подчеркнуть свое положение в обществе, одевались в роскошные одежды и носили дорогие украшения, тем самым невольно придав последним новую важную функцию знак господства; представители различных уровней высшего общества стали главными работодателями ювелиров, обеспечивая, таким образом, материальное существование этих ремесленников и как заказчики, определяя, разумеется, каждый поразному, содержание и форму производимых украшений и предметов из благородных металлов.

На Древнем Востоке, в Передней Азии и в Египте ювелирное дело достигло полного расцвета, когда, наряду с многочисленными украшениями для простого люда, по заказу королей и представителей знати были созданы украшения, являвшиеся произведениями ювелирного искусства. И здесь нельзя не сказать о превосходных работах мастеров ювелирного дела времен расцвета Египетской империи и Греции, а также о замечательных украшениях, исполненных фракийцами, скифами, римлянами.

Начало производства изделий из золота в Европе было положено не ранее второго тысячелетия до и. э. периода расцвета так называемой культуры «Эгейского мира». Общие характерные признаки искусства ювелиров «Эгейского мира» линейность рисунка, геометрические узоры, симметрия, плоские многоцветные инкрустации, растительные и геометрические мотивы гравировальных рельефов, слегка выступающих над поверхностью металла и расположенных полосами.

Влияние древнегреческой культуры

Дальнейшее развитие ювелирное дело получило в Древней Греции; особенно в период, названный впоследствии «Золотым веком» классического искусства древних греков. Особенности стиля художественной школы ювелиров тех лет можно проследить на примере двух дисковидных подвесок (кулонов), найденных в кургане КульОба (бывший СССР): в центре золотого диска каждой подвески женская голова в пышном шлеме с изображенными на нем сфинксами и совы символа мудрости, спутницы богини Афины.

Ювелирам Древней Греции известны были многие способы обработки металлов: ковка, литье (в том числе по выплавляемым моделям), чеканка (в том числе выколотка изнутри), гравировка и резьба, а также техника филиграни, эмалирования. Ювелирные изделия древних греков предстают уже более сложными конструктивно, более яркими в декоре, более затейливыми по форме. В моде филигранные, декорированные эмалью и зернью ожерелья: гибкие, легкие, гармонирующие со свободно падающими складками одежды, подчеркивающие естественные формы тела.

В изменении стиля ювелирного искусства античного периода сыграли свою роль походы Александра Македонского, когда греки близко познакомились с искусством стран Востока, оказав в свою очередь заметное влияние на искусство так называемых «варваров» скифов и сарматов, а также жителей почти всей Западной Европы.

Ювелирные украшения скифов шейные обручигривны, браслеты, перстни согласно религиозным представлениям этого народа несли в себе охранительное начало, а основным изобразительным мотивом их была тема животных, точнее фигурки животных. Более других почитались олени, пантеры, другие хищники. Животные, как правило, показывались гротескно, в движении: бег, борьба, прыжки.

Родственные скифам сарматы изображали животных более схематично, дополняли декор геометрической орнаментикой, многодетностью за счет использования бирюзы, топазов, кораллов, цветного стекла в виде кабошонов или зернышек, вставленных в уши, на бедрах животных; заполированные как единое целое с золотой поверхностью, вставки выглядят утопленными в золото.

Влияние греческой культуры сказалось почти на всей Западной Европе и, в частности, на культуре кельтов, заселивших всю Среднюю Европу от Пиренеев до Карпат, Британские острова. Многие элементы узоров кельтских изделий заимствованы из орнаментов, характерных для искусства средиземноморских мастеров, однако они естественно претерпели заметные изменения: комбинации криволинейных узоров располагаются уже без строгой симметрии, в них смешиваются растительные и звериные мотивы, спирали, ветви. Плоскостной орнамент раскрашен коралловыми и янтарными вставками. Пластический стиль кельтов позволил им использовать все возможности объемной трехмерной орнаментации; они украсили браслеты, ожерелья, пряжки вздутыми литыми буграми, оплели их жгутами металла; одни участки поверхности сделали рельефными с эмалевыми включениями, другие украсили гравировкой и зернью. Ведущей техникой кельтов было литье.

Высокий уровень мастерства был присущ другому народу, тоже представителю «варваров» народу этрусков, которые в совершенстве владели техникой филиграни, зерни, литья, эмалирования. Ожерелья и фибулы (застежки) этрусков либо украшены объемными фигурками, животных, либо декор в них построен на резких контрастах деталей; орнамент простой, составленный из симметричных геометрических узоров. Мастера обыгрывают различия в фактуре золота, гладкого или под прозрачным филигранным кружевом, добиваются изысканной вычурности пропорций изделий в этом художественный стиль этрусков. Позднее этрусское наследие отразилось в культуре Древнего Рима.

После падения Рима наступил период, когда главную роль в культуре Европы стали играть германцы, славяне, кочевники гунны, готы; наступает так называемая эпоха «переселения народов». Ювелирные изделия почти единственный вид искусства этого времени, дошедший до нас. Общей чертой всех украшений были крупные размеры, яркость декора, ощущение бьющего через край богатства. Предмет мог быть сделан из меди или железа, но снаружи покрыт тонким слоем золота и украшен камнямисамоцветами, преобладающая палитра расцветки которых краснозолотая. Альмандины или гранаты помещались в виде аппликации на плоской поверхности изделий из серебра, покрытых золотой фольгой; кабошоны окружались витой проволочкой или окантовкой из зерни. Плоские поверхности могли быть украшены также сплошной мозаикой из красных треугольников, овалов, ромбов, «сердечек», соединенных между собой тонким переплетением золотой рамы (так называемая техника «перегородчатой инкрустации)

Религиозное средневековье и яркий ренессанс

В средние века основным заказчиком ювелирных изделий стала церковь. Складные алтари, причастные чаши, различные сосуды, оклады икон и книг, изображение святых, сцены из жизни Христа вся эта роскошная церковная утварь производилась в те времена в немалых количествах.

Особенно необходимо отметить украшения окладов книг, которые хранились в монастырях и соборах как драгоценные предметы, как реликвии. В центре и по углам окладов книги обычно располагали рельефный орнамент из чеканного металла и слоновой кости в окружении эмалевых или черневых изображений святых и прямоугольных или круглых пластин, заполненных геометрическим узором перегородчатой эмали; между пластин цветной каймой в высоких гнездах или окруженные филигранным ажуром помещали яркие самоцветы.

Основным средством декора ювелирных изделий того времени была эмаль. Соперничая с самоцветами, она давала тот же эффект драгоценной многоцветной поверхности предмета. Наибольшее распространение эмали получили во Франции и Германии. Эмали на изделиях ювелиров этих стран, как правило, выемчатые и заполированы на одном уровне с фоном. По колориту эмали отличаются пестрой и свежей цветовой гаммой. Холодные оттенки голубого, синего, белого или зеленого цвета чуть расцвечивали золотыми и красными узорами, их чистоту и интенсивность колорита подчеркивали золоченым фоном, покрытым тонким гравированным орнаментом.

Изделия средневековых мастеров производят впечатление перегруженности яркими выпуклых форм камнями (рубином, изумрудом, сапфиром, жемчугом), но встречаются экземпляры, украшенные такими самоцветами, как горный хрусталь, топаз, аметист, гранат. И привозные, и местные камни шлифовались вручную и без изменений естественной формы кристалла или галечной породы.

Личные украшения жителей средневековой Европы почти не сохранились до нашего времени. Диктуемая церковью доктрина аскетизма отрицание радостей земного существования выразились в предельной простоте костюма, скрывавшего очертания тела, в сокращении количества украшений.

В XIII в. количество драгоценностей на костюмах светских и церковных феодалов возрастает. Художественная простота форм и наивная яркость изделий начала века уступает место рафинированности изысканных драгоценностей развитого феодализма. В моду входят пряжки, ожерелья, широкие пояса, усыпанные жемчугом и камнями в высоких ажурных гнездах. Основание оправ часто делают ограненным, что усиливает игру камней. Перстни носили и мужчины и женщины.

Перстни с резными камнями употребляли в качестве печатей и для обозначения ранга владельца. Из гладкого золота в сочетании с аметистом, рубином, сапфиром изготовляли перстни для епископов. Кольцо главы церкви Папы Римского украшали фигурки св. Петра в ладье. Знаками папских послов служили крупные перстни из бронзы или меди с недорогим камнем или стеклом и священным изречением, нанесенным методом гравирования. Существовали посольские перстни и особые кольца членов купеческих гильдий.

Для работ ювелиров XIV в. характерны иные признаки. Геометрическая четкость конструкций, богатство растительных узоров, многоцветие прозрачных эмалей отражают особенности так называемой пламенеющей готики этого крайнего выражения тенденции к устремленности вверх, к дематериализации и растворению конструкции в кружеве шпилей, в маленьких стреловидных выступах.

Как видно из вышеизложенного, одинаково сильно выражено общее для всего средневекового искусства стремление к декоративному богатству цвета и фактуры, достигаемому за счет сочетания различных материалов и искусственно создаваемой несогласованности чистых и ясных красок между собой.

В начале XV в. в значительном количестве ювелирных изделий чувствуется стремление мастера ослабить влияние избыточной декоративной орнаментики, более рационально использовать пространство, ввести светские сюжеты. Появляются изделия светского назначения.

Судя по документам, наряд знатной дамы в Германии или Нидерландах XV в. состоял из платья с узкими рукавами, высоко подпоясанного, а поверх платья набрасывался плащ. Застежки, край корсажа или плаща, широкий пояс декорировались жемчугом или небольшими эмалированными бляшками, а то и драгоценными камнями. На пояс подвешивались ножики, четки, кошельки, ключи. Несколько перстней украшали пальцы обеих рук. И мужчины, и женщины носили золотистые цепи. Мужские плащи, шляпы, обувь, особенно пояса, украшали так же богато.

В конце XV в. расцветает новая техника эмалирования: ювелиры открыли, что эмаль можно накладывать послойно на уже эмалированную и обожженную поверхность. При всей сложности технологии росписи эмаль, ил и финифть, получила широкое распространение, почти вытеснив другие способы и сблизив эмалирование с живописью.

В XVI в. расцветает искусство эмалевой портретной миниатюры. В лучших работах, выполненных в технике расписной эмали, поражает тонкое композиционное чувство мастера: живописный оригинал использован в органической связи с формой предмета и его назначением. Основная масса предметов, созданных в технике расписной эмали, по своему стилю относится уже к эпохе Возрождения.

Внешним проявлением стиля ювелирного искусства этого времени оказался культ античности. Используя подлинные вещи, найденные при раскопках, ювелиры, возрождая изделия, не оставляют их неизменными: применяя в качестве нового декора оправы из золота, самоцветы и эмали, придают возрожденным изделиям несвойственную античности яркость, что создает ощущение богатства материалов, декорирующих элементов.

В Эрмитаже хранится подвеска в форме кораблика, корпус которого состоит из крупной жемчужины неправильной формы. По краям жемчужина усеяна крошечными красными и синими кабошонами в ажурной золотой оправе. Из золота с белой опалесцирующей эмалью сделан парус и мачта. Нарядный фонарь на носу и завиток бушприта оплетает тонкая паутина филигранных вантов и лесенок. Подобные подвески на длинных цепочках становятся самым модным украшением и женщин и мужчин.

Амуры и ангелочки, женские фигуры, кентавры и драконы, корабли и фантастические звери на подвесках не выглядят просто миниатюрными скульптурами. Мастера виртуозно объединяют жемчуг, золото, эмали, обогащая каждый из этих материалов. Например, на шейке и крыльях лебедя одной из подвесок XVI в. белая эмаль наложена так, что просвечивает золотая основа и создается впечатление чешуйчатой поверхности.

Ожерелья и цепи для подвесок редко состояли из округлых одинаковых звеньев. Каждая из них маленькая законченная композиция симметричных очертаний в виде цветов, плодов, листьев, маленьких фигурок или завитков пластического орнамента вокруг яркого камня. Многочисленные перстни также украшались пластическими деталями. В центре помещали крупные единичные камни таблицы, оправленные в глубокие прямоугольные ячейки.

В XVI в. впервые важным акцентом декора в подвесках становятся алмазы. Ограненные в виде пирамиды, они вставляются в глубокие закрытые оправы, а с конца XVI в. и в более плоские. Снизу оправы почти всегда имеют вид коробочки. В многоцветных сочетаниях с рубинами и изумрудами под алмазы часто подкладывают цветную или серебряную фольгу. Цветной фон используют и для усиления интенсивности цвета других камней.

Со второй половины XVI в. мужчины и женщины Европы (особенно в Испании) носили на шляпах броши и пряжки, знаки святых либо инициалы. Наряду с большими цепочками в моде были и тонкие цепочки с медальонами. Серьги в виде подвесок из жемчужин или в виде цветов были обычными украшениями дам, хотя мужчины зачастую украшали себя колечком в одном ухе. Перстни же носили на всех пальцах обеих рук, и каждый перстень мог иметь какоелибо смысловое значение.

Работы ювелиров XVI в. определили дальнейший путь развития европейского ювелирного дела. Мастеров этой эпохи отличали великолепно развитое чувство формы, умение использовать возможности каждого материала, фантазия в выборе сюжетов, которые они сумели соединить со свободой исполнения труднейших технологических операций.

Лучшие черты искусства ювелиров Возрождения индивидуальность каждого изделия, его художественная значительность и неповторимость.

С начала и до самой середины XVII в. главным формообразующим элементом ювелирных изделий является цветочный мотив: подвески в виде цветка с лепесткамисамоцветами; цепи, звенья которых напоминают целые гирлянды цветов; оправы с эмалевыми или черневыми растительными узорами или просто натуралистическое изображение цветов на плоских коробочках и медальонах. Сочетание белого фона со щедрым живым узором из роз, гвоздик, модных тюльпанов применяют мастера Дании, Голландии, Германии, закрывая гладкое золото более красивым и более дорогим, по их мнению, эмалевым ковром.

Эмалями украшали и ордена. Цветочный эмалевый орнамент присутствует и в конструктивной основе ажурных подвесок, на гладких или рельефных металлических оправах вокруг отдельных камней.

Однако во второй половине XVII в. эмаль в оправах оттесняется на второй план. Это связано с тем, что ведущую роль в декоре стали играть драгоценные камни и, прежде всего алмаз; граненый камень стал центральным акцентом украшений; отныне ювелиры главное внимание обращали на блеск и игру камней, на их взаимодействие. Эта черта европейского ювелирного искусства почти не имела аналогий в древней или неевропейской традиции. Веком цветка и алмаза считался XVII в.

Знаменитой работой века, поразившей современников своей грандиозностью, стала известная настольная многофигурная композиция «Великий Могол», своеобразная дань увлечению восточной тематикой. Великий Могол (индийский правитель), его гвардия, слуги, гости и слуги гостей, вьючные животные весь пышный двор сказочного восточного царя представлен в виде небольших фигурок из золота в ярких эмалевых одеяниях. Бахрома балдахина, орнаменты оружия, детали одежд выполнены с большим техническим мастерством, но слишком пестрыми; драгоценные камни усиливают блеск золота и эмалей. Удачно использован темный агат с естественными белыми разводами, изображающий ковер за спиной Могола.

Время бриллиантов и цветов

На рубеже XVII и XVIII вв. в уже сложившемся облике европейских ювелирных украшений появляется новый элемент алмаз, ограненный особым способом и названный бриллиантом, в переводе «сверкающий». Светоносный бриллиант становится основным акцентом изделия, его достоинства ярче выявляются в сочетании с цветными камнями и общей легкостью конструкции.

Лучшее изделие XVIII в., в котором использованы бриллианты в их наиболее выигрышном виде, корона Екатерины II. Она имеет форму раскрытого ореха, увенчанного огромным красным камнем и крестом. Ажурная сетка из бриллиантов заполняет всю поверхность полушаровых сторон короны, ниже которых расположен более массивный обруч. Посередине между створками помещена гирлянда из крупных полупрозрачных алмазов неправильной формы; колючее сияние мелких бриллиантов оттеняется мягким светом 78 жемчужин, размещенных по краю полушариев. Каждый ограненный камень оправлен в серебро; рубин весом около 400 карат охвачен изящными ажурными завитками из мелких алмазов. Венчающий корону крест кажется невесомым, хотя размеры алмазов велики. Всего же в короне использовано около 5000 камнейсамоцветов.

Важным элементом формообразования ювелирных изделий XVIII в. были мотивы цветочных композиций. Это были довольно сложные украшения, целиком составленные из цветов и листьев, которые выполнены из драгоценных камней, золота, серебра.

Некоторые украшениябукеты подобраны из ярких и сочных по цвету камней: аметистовые тюльпаны, рубиновые розы, аквамариновые ромашки, бирюзовые незабудки. Среди изумрудных листьев можно рассмотреть гранатовую гусеницу, бабочку с агатовыми прозрачными крылышками, мушку из халцедона. Букеты привлекают свежим, неповторимым разнообразием каменных цветов.

Ювелиры XVIII в. в своих работах широко использовали приемы литья и чеканки, ручной и машинной (гильошировка) гравировки, применяли матовое и блестящее золото, а также золото зеленого, желтого и красного цвета, опалесцирующие эмали, перламутр, гравированный и гладкий, с локальными накладками и мозаичный.

Сохранившиеся ювелирные украшения конца XVIII в. свидетельствуют о получившем развитие стиле под названием «классицизм». Уравновешенность, строгая симметрия характерны для композиции украшений этого стиля: в брошибукете лилий сочетаются лишь белоснежные жемчужины и прозрачные бриллианты в серебре; в перстнях маленькие бриллианты обрамляют цветные камни, не вступая в цветовое соперничество с ними, а лишь как бы подсвечивая их. В моде темные прозрачные эмали синего, реже зеленого и бурого цвета, сквозь который просвечивает гильошированный фон.

В 1789 г. произошла французская революция. В 1794 г. революцию задушили, но с сословной структурой общества было покончено. Для ювелирного искусства это означало также коренную ломку.

Камни в ювелирном деле

Еще доисторический человек использовал драгоценные камни для украшения и нет, наверное, ни одной эпохи в истории человечества, когда бы люди не находили прелести в многоцветном великолепии минералов.

Драгоценные камни различаются по степени твердости. Наибольшей твердостью в 10 единиц обладает только алмаз, который греки называли непобедимым, «adamas». Камни со степенью твердости от 9 до 7 прежде определяли как подлинные драгоценные камни, которые с понижением твердости становятся полудрагоценными или просто декоративными. До сих пор на этот счет не существует единой точки зрения, потому что критерием оценки служит не только твердость, но и редкостность, и красота. В разработанной Фридрихом Мозе шкале твердости, алмаз фигурирует со степенью в 10 единиц, за ним следуют рубин и сапфир 9, кошачий глаз, александрит, хризоберилл, шпинель, изумруд, аквамарин и благородный топаз 8, аметист, гиацинт, турмалин, гранат, цитрин, дымчатый топаз и розовый кварц 7 и другие цветные или прозрачные камни, радующие глаз в красивой оправе, отшлифованные или резные. Мерой драгоценного камня является карат. Но удовлетворялись не только красотой и игрой света; во все времена драгоценные камни использовали и в качестве материала для мелкой пластики например, резьба в камне (глиптика) была известна и популярна у всех народов древности. Это геммыинтальо (углубленное резное изображение) и камеи (выступающее резное изображение). Даже сейчас трудно найти чтолибо равное произведениям древних мастеров.

Но наряду с драгоценными камнями использовали и камни натурального происхождения, такие, как жемчуг и янтарь. Жемчуг по красоте приравнивается к драгоценным камням. Ровной, круглой формы большие жемчужины называются крупным или бурмитским жемчугом; особо крупные жемчужины носят название «парангоны», а угловатые, большие жемчужины неправильной формы называются «уродцами», изза своей фантастической формы они использовались в изделиях прикладного искусства, например, в качестве фрагментов человеческого или звериного тела. Самый мелкий жемчуг применялся для украшения женской одежды, а во времена барокко одеяние, шитое жемчугом или нити в несколько рядов, были необходимой принадлежностью туалета женщины высшего общества.

Янтарь еще в древние времена использовали в качестве декоративного материала об этом свидетельствуют находки янтаря в микенских гробницах, которые датируются примерно 2000 годом до н.э., а на севере украшения из янтаря носили люди каменного века. Добывали «золото моря», собирая его на морском берегу; позже вылавливали сачками и острогами. Это происходило так: сидя в лодке, в ясные дни длинным крюком ворошили морское дно, и течение воды подхватывало янтарь, который потом вылавливался сетями. Янтарные украшения всегда ценили и приписывали им целебные свойства.

В России драгоценные камни были не только символом красоты, но и с их помощью символам верховной власти придавалась еще большая значимость. В ХIVXVI веках символы верховной (царской) власти скипетр, корона, держава, царский жезл украшались многочисленными камнями. Ярчайшим образцом такого искусства является «Шапка Мономаха». Ее верх обильно покрыт драгоценными камнями: изумрудами, сапфирами, рубинами, турмалинами и жемчугом. «Шапкой Мономаха», как символом высшей государственной власти на Руси, венчали на царство всех московских великих князей.

Огромные богатства собрал в Кремле Иван IV (Грозный). Изделия с бирюзой, кораллами, рубинами, сапфирами, изумрудами и другими драгоценными камнями пополнили при нем царские кладовые. Изготовленная в 1552 г. в честь взятия войсками Ивана Грозного Казани «Шапка царства Казанского» являет собой пример удачного сочетания восточного и русского искусства: на золотой тулье выполнен резной орнамент с кокошниками в русском стиле, отделана же она жемчугом, гранатами и бирюзой камнями, которые любили использовать ювелиры Востока.

Исследования наших дней показали, что в изделиях с драгоценными камнями, изготовленных до XVII века, были использованы камни, которые привозились изза границы. Академик А.Е. Ферсман писал, что в тот период русской истории добыча русских самоцветов и русского камня для ювелирных изделий еще не велась. А.Е. Ферсман считал, что цветные камни в XIIIXVI веках Россия получала из Византии и с Востока. Добыча русских самоцветов началась около середины XVII века. В это время на Урале был обнаружен малахит, а в конце XVII века по рекам Восточной Сибири были открыты месторождения агатов, халцедонов, яшмы и сердоликов. При Петре I развитие «черного дела» получило мощный импульс, так как царь лично следил за поисками и добычей драгоценных камней. В период его царствования были открыты месторождения горного хрусталя, аметистов, бериллов и других самоцветов. Уральские самоцветы приобрели широкую известность. В 20е 50е годы XIX столетия в России были открыты месторождения изумрудов, топазов, рубинов, хризолитов, алмазов и других драгоценных камней.

Искусство обработки камня в России в XIX веке достигло очень высокого уровня. При постройке известных всему миру дворцов Петербурга (Зимнего, Строгановского, Мраморного, Царского села, Петергофа, Павловска), а так же соборов (Исаакиевского, Петропавловского и др.) были использованы разнообразные цветные камни России и других стран (мраморы, яшмы, кварциты, малахит, лазурит, родонит и др.). Из Уральского малахита были изготовлены замечательные вазы, столешницы, подсвечники, письменные приборы и другие изделия, пользовавшиеся повышенным спросом, как в России, так и на Западе. На I Всемирной выставке в Лондоне в 1851 году русская экспозиция ювелирных изделий и драгоценностей пользовалась заслуженным успехом. Многие русские изделия и камни получили призы.

Среди ювелирных фирм России во второй половине XIX века выделилась фирма, основанная в 1848 г. в Петербурге Карлом Фаберже (см. так же раздел «Фаберже придворный ювелир»), работали крупные ювелирные мастерские того времени (Реймер, Гольстрем и Колин), изделия которых отличались четким рисунком с рельефными деталями. В изделиях Фаберже использовали нефрит, яшму, горный хрусталь, лазурит и различные кварцы. Многие изделия мастерские Фаберже делали по заказам членов царской семьи. На Всемирной выставке в Париже русские художественные изделия из камня имели большой успех. Фирма Фаберже после этой выставки открыла свое отделение для обслуживания стран Запада и Востока.

В конце XIX века был осуществлен синтез драгоценных камней группы корунда, и с 1902 года на рынок начали поставляться синтетические рубины, а немного позднее сапфиры и шпинель. Это дало новый толчок развитию производства изделий из ювелирных камней. Но появление в большом количестве на рынке синтетических камней не снизило, а значительно повысило роль и стоимость природных ювелирных. В 70е 80е годы XX века стоимость ювелирных алмазов увеличилась почти в три раза. Украшения из драгоценных природных камней попрежнему ценятся очень высоко, а в дальнейшем их стоимость будет только возрастать.

Ювелирное искусство в России.

В истории развития ювелирного дела России важнейшими являются следующие этапы: ювелирное искусство Киевской Руси, ювелирное дело на Руси в XVIXVII вв., ювелирные украшения XVIII, XIX вв., ювелирное дело в советский период. Центрами русского ювелирного творчества в разное время были Киевская Русь, ВладимироСуздальское княжество, Новгород, Псков, Ярославль, Нижний Новгород, Кострома, Казань, Калуга, Вологда, Великий Устюг, Москва, Урал, СанктПетербург.

Ювелиры Киевской Руси славились изделиями из золота с эмалью выемчатой и перегородчатой. Для этого времени характерны такие изделия, как колты, которые подвешивались с двух сторон к женскому головному убору, бармы драгоценные оплечья, украшенные изображениями религиозного характера, полые серьги в виде полумесяца, гривны шейные украшения в виде обруча, подвески из скрученных золотых нитей, бусы всевозможных видов. Успешно применялись чернь, зернь, эмаль, скань (филигрань), чеканка, резьба, позолота. Основной мотив орнаментации изделий явно стилизованные растительные формы.

Подобный стиль орнаментации, но уже более точно отражающий живую природу, сохранился и в ювелирных изделиях Руси XVI, XVII вв., хотя в их размерах, декоре ярко отразились изменения условий жизни и быта русских людей: изделия стали демократичнее и в значительно большей степени, чем раньше, отображали характерные черты своего времени (значительно меньше вычурности в рисунке, лаконичнее и яснее его замысел и содержание).

Начало второй половины XVII в. для мастеровювелиров России ознаменовалось открытием, разработкой и освоением отечественных месторождений камнесамоцветного сырья. В 1688 г. искатель руд Михайло Тумашев нашел на Урале в районе бывшего Мурзинского острога самоцветные камни: агат, топаз и др. Вскоре были открыты месторождения многих других драгоценных и полудрагоценных камней, которые стали широко применяться в ювелирном деле. Причем в XV XVII вв. самыми модными самоцветами были необычайно яркий и нарядный своей зеленью изумруд, а также вишневокрасные альмандины и алые как заря рубины и шпинели. В те времена ювелиры любили украшать свои изделия эмалями яркой, насыщенной палитры, повторяющей гаммы расцветок драгоценных камней.

Новых высот русское ювелирное дело достигло в XVIII, XIX вв. Уместно отметить, что до XVII в. оно развивалось своими особыми путями, не испытывая скольконибудь заметного влияния творчества мастеровювелиров других стран. Начиная же с эпохи Петра I и до начала XX в. эволюции русского ювелирного искусства присущи те же стилевые закономерности, что и западноевропейскому.

В 1721 г. в СанктПетербурге была построена первая в России гранильная фабрика, а в 1726 г. гранильная мастерская в Екатеринбурге. С 1786 г. на Алтае начинает выпускать свои знаменитые на весь мир порфиритовые, яшмовые, малахитовые вазы Колыванская шлифовальная фабрика. Приобретает широкую известность самобытное искусство филиграни красносельских ювелиров. Примерно в эти годы в ювелирное дело внедряются механические способы обработки металлов, что немедленно упростило и ускорило работу ювелиров: кованое серебро заменяется гладким листовым, чеканка все более уступает место штамповке, находит применение гальваническое золочение.

Эти первые ювелирные предприятия и первые технические новшества, по сути, предопределили приход эпохи, когда труд ювелираодиночки, ювелиракустаря был заменен механизированным, а в дальнейшем промышленным (массовым) производством ювелирных изделий.

Начало советского периода ювелирного производства относится к 1923 г., когда при Наркомфине было организовано Московское товарищество, в сферу деятельности которого входили изготовление и сбыт ювелирных изделий.

Используя опыт и достижения ювелиров предшествующих поколений, опираясь на богатые традиции русского ювелирного творчества, ювелиры нашей страны создали немало изделий, получивших мировую известность, в том числе такие произведения монументального характера, как рубиновые звезды Московского Кремля, как карта нашей великой Родины из драгоценных металлов и самоцветов, как изумительный по красоте орден «Победа».

5070е годы явились временем бурного развития ювелирной промышленности. Некогда кустарные и полукустарные промыслы и мастерские были реконструированы, расширены, а во многих случаях просто отстроены заново. Теперь это мощные промышленные предприятия с механизированными процессами производства, способные выпускать ювелирные изделия практически в неограниченном количестве.

В полной мере удовлетворять потребность людей в ювелирных изделиях высокого художественного уровня таково основное направление работы ювелирных предприятий Москвы, СанктПетербурга, Киева, Екатеринбурга, Таллинна, Друскининкая, Риги, Львова, Одессы, Кишинева, Харькова, Костромы, Великого Устюга, Перми, Якутска, Баку, Тбилиси, Еревана, АлмаАты, Ташкента, Душанбе, Ростова (Ярославская обл.) и Приволжска (Ивановская обл.), поселков Мегера, Кубани и КрасноенаВолге, а также всех ювелиров, работающих в народных художественных промыслах, художественных фондах при Союзах художников, на предприятиях Минместпрома, в кооперативах и товариществах.

Фаберже придворный ювелир

История дома Фаберже

Карл Фаберже родился в 1846 г. в СанктПетербурге. Его отец, Густав Фаберже, был скромным ювелиром, с 1841 г. имевший свое дело. После путешествия по Европе 18601866 гг. уже полноправный мастер Карл работает с теми, кто прежде работал у его отца (Х. Пендин, А. Хольмстрем, В. Раймер, Э. Колин [последнего Карл Фаберже сделал первым главным мастером мастерской]). В 1872г. Карл Фаберже становится хозяином мастерской своего отца. Первое время ему приходилось соперничать за императорские заказы с другими, более известными ювелирами того времени. Поначалу, его доля в заказах Двора была незначительной, но с годами она выросла: в 1883 г. Фаберже упомянут в учетных книгах Кабинета Его Императорского Величества лишь семь раз, а в 1888 г. уже 17. Ему удалось быстро завоевать расположение высших придворных чинов, оказывая бесплатные услуги по оценке, ремонту и реставрации ювелирных изделий в Эрмитаже. В числе самых ранних документально зафиксированных работ братьев Карла и Агафона Фаберже и Эрика Колина были сделанные ими в 1885 г. копии «керченского золота», древнегреческих золотых украшений III в. до н. э. найденного при раскопках в районе Керчи и выставленного в Эрмитаже.

Дизайн изделий Фаберже до середины 70х годов незначительно отличался от того, что делалось в те года в других европейских центрах ювелирного искусства. Приверженность к антикварским вкусам ощутима в дошедших до нас вещах этого периода, включающих золотые кубки и предметы в стиле Возрождения.

Агафон Фаберже присоединился к своему брату Карлу в 1882 г., проработав с ним более 10 лет. Этому десятилетию суждено было стать самым богатым и творческим периодом фирмы. Качество вещей сделанных в эти годы, осталось непревзойденным. Взаимодействие братьев – Карла, с его приверженностью к классическому стилю, и более живого и творчески энергичного Агафона, усиленное приходом в фирму нового главного мастера, блестящего Михаила Перхина (он проработал в фирме 1885 по 1903 гг.), было толчком к возникновению искусства Фаберже как самобытного стиля в прикладном искусстве и ювелирном деле. Именно в это десятилетие впервые возникает большинство «тем и сюжетов» Фаберже: для царской семью и императорского двора пасхальные яйца, фигурки животных, цветы, «полезные предметы» и другие поделки из самоцветов и драгоценных металлов. К 90м годам Фаберже обошел своих конкурентов по «крупным вещам» и серебру. В 1894 году цесаревичем Николаем, как обручальный подарок будущей жене, было выбрано ожерелье из жемчуга и бриллиантов именно от Фаберже. В свою очередь, другое колье, приобретенное коронованными родителями Николая для невестки, было тоже фирмы Фаберже.

С 1903 года, изделиям фирмы начинает недоставать яркости и неповторимости, исчезает буйство линий и красок стиля модерн, дизайны Фаберже становятся суше и классичней. И, хотя качество остается великолепным, само использование в работах заранее заготовленных деталей, накладывает на них отпечаток промышленной эры.

С объявлением войны в 1914 году в связи с мобилизацией, мастерские Фаберже стали ощущать недостаток квалифицированных мастеров. Московское отделение фирмы, занимавшееся работами по серебру, перешло на производство ручных гранат и гильз для артиллерийских снарядов.

Пасхальное яйцо, подаренное царю к 1916 году, было характерным для своего времени, и получило название «военного»: композицию создают артиллерийские снаряды с изображением Николая II и наследникацесаревича на фоне Ставки Верховного Главнокомандующего.

В конце 1917 года Карл Фаберже покинул Россию и поселился в Швейцарии, где скончался в конце 1920 г.

Дизайн и стиль

С чисто технической точки зрения, работы Фаберже – вершина, достигнутая золотых дел мастерами, камнерезами, ювелирами и эмалерами за всю долгую историю этого благородного искусства. Возможно, не всякий предмет, вышедший из мастерских Фаберже, найдет отклик в наших сердцах сегодня. И все же ни одна вещь из его экстравагантно разнообразного репертуара, не может быть отвергнута по причине недостаточно высокого качества исполнения; у Фаберже нет места небрежности и безвкусице, заполнившим сегодняшний мир.

Первоначально, творческое лицо фирмы определял глубоко укорененный историзм. Карлу и Агафону потребовались десять лет, чтобы освободить фирму от оков прямого подражательства и обрести собственный стиль. При Эрике Колине Фаберже полностью поглощен старыми «антикварными» стилями. При Агафоне и Михаиле Перхине фирма отдает предпочтение стилю Людовика XV. Но пытливый ум членов семьи и мастеров Фаберже искал и находил иные источники вдохновения, включая стиль Людовика XVI, ампир, готику, Возрождение, арабский Восток, персидское, индийское, китайское и японское искусство. Стиль Дома Фаберже основывался на продуманной ассимиляции ранних «исторических» стилей, обогащенных русским чувством, легкостью, элегантностью и уникальной виртуозностью исполнения. Таков был «стиль Фаберже», чрезвычайно популярный, ставший предметом восхищения и рабского подражания, но так никем и непревзойденный. В нем заключена причина успеха Фаберже.

Выполненные петербургским мастером и его художниками композиции из золота, эмалей и драгоценных камней, были предложены русским как раз в ту пору, когда общество – скучающее и разочарованное – оказалось наиболее восприимчивым к новизне и блеску.

Ниша, во вкусах и запросах публики, открытая гением Фаберже, теперь заполнялась с его помощью, это был нескончаемый поток полезных вещей, превосходивших друг друга своей изобретательностью. Каждая из них обладала изысканной формой и совершенством. Мгновенно узнаваемые, они, поэтому, были превосходным символом статуса их владельца. Приобретая эти дорогие игрушки и безделушки, вы попадали в круг «избранных». Фаберже располагал группой уникально одаренных дизайнеров и высочайшей квалификацией своих избранных мастеров. Благодаря постоянному новаторству он легко опережал всех конкурентов. Именно это стремление к новизне позволяло ему утверждать, что в конце каждого года он отправлял в переплавку все вещи, которые оставались непроданными.

Эмали

Самыми популярными предметами «от Фаберже» всегда были изделия из золота и серебра, покрытые окрашенной в нежные тона эмалью, искусно положенной на механически обработанную основу. Именно воссоздание и совершенствование сложной техники прозрачной эмали принесло Фаберже наивысшую похвалу со стороны конкурентов. В то время как остальные предпочитали работать с эмалью более надежных и безопасных тонов белого, бледноголубого или розового Фаберже смело брался за создание эмали неподражаемых и рискованных тонов тона желтых примул, за лиловосливовый, розовосемужный, лиловозеленый или голубой прусский тона. Выбирать он мог из более чем сотни цветов и оттенков. Самым изысканным, вне всякого сомнения, был его неподражаемый «устричный» мерцающий теплый белый тон, отражающий переливающиеся оттенки внутренней поверхности морской раковины.

Эмалью также покрывалась и поверхность изделий, предварительно обработанная в технике «гильоше» имевшей различные вариации еще одна технология в ювелирном деле, которую Фаберже впервые применил в России для предметов искусства. «Солнечные лучи», «волны» или муаровый узор, выгравированные на покрывавшейся затем эмалью металлической основе, придавали жизнь плоским поверхностям. Эти эффекты дополнялись «мотивами» цветочных лепестков, пейзажей или имитацией вкраплений агата, которые писались кистью перед наложением предпоследнего слоя эмалевого пигмента. Последний, верхний, слой эмали или его блестящее покрытие, тщательно и бережно, многими часами полировался на деревянном колесе и шлифовался для придания предмету его уникального сияния.

Драгоценные металлы

В работе с металлом Фаберже достиг такого технического уровня, который был, да и сегодня остается, пределом мечтаний и объектом зависти для многих ювелиров. Его портсигары знамениты своей элегантностью, их шарниры невидимы, а крышки плотно пригнаны друг к другу. В некоторых из них он использовал сочетания отполированных разноцветных золотых и серебряных поверхностей, незаметным для человеческого глаза образом спаянных друг с другом. При создании других использовалась техника «самородок», которая как бы придавала поверхности металла вид натурального золотого самородка. Для третьих мастера Фаберже пользовались различными техническими приемами XVIII века, такими как использование четырехцветного золота. Некоторые заказы позволяли Фаберже использовать сочетание различных технических приемов даже в таких простых вещах, как золотые портсигары: как, например, в серии портсигаров, сделанных по заказу Узарша д'Азей. Надписи в этом случае на арабском языке представляют собой серебряные буквы, инкрустированные в полированную золотую поверхность или в золотую поверхность, выполненную в технике самородок. В одном из портсигаров эти буквы первоначально награвированы и затем выполнены в эмали.

Вещи из серебра обычно делались, как и Москве, так и в Петербурге. Модель чаще всего выполнялась из дерева или воска, затем следовали отливка и гравировка. Среди этих вещей есть серебряные сервизы, купели для крещения, пепельницы, чайные сервизы с самоварами, чернильные приборы и довольно замысловатые настольные украшения. Некоторые из самых оригинальных вещей – настольные звонки, зажигалки или кубки – в виде фигурок животных.

Самоцветы и поделочные камни

В поисках новых тем Фаберже вскоре напал на идею использования самоцветов и других поделочных камней для последующего их обрамления в золото или серебро. В отчетных документах Кабинета Е.И.В. за 18971898 гг. мы находим электрический настольный звонок особого вида нефрита; еще один – из нефрита; конфетницу в готическом стиле, также из нефрита; нефритовый кубок в форме сердца; еще один кубок из порфира, с фигуркой мыши украшенной жемчугом; чашу из нефрита с ручкой розовой эмали; нефритовую пепельницу с 4 грифонами, ручкой из топаза с кольцом из красного золота в стиле Людовика XVI. Некоторые модели самых популярных вещей Фаберже – таких как его фигурки животных и цветы – фигурируют в документах Кабинета уже в 1893 г. Фаберже не испытывал нехватки поделочного камня: он мог заказать его на камнерезных фабриках в Петергофе, расположенном поблизости от Петербурга, либо в самом Петербурге. Многие из закупленных фигурок затем перерабатывались в его мастерских в соответствии с его вкусом и представлениями о совершенстве.

Позже, неудовлетворенный работой своих поставщиков, Фаберже решает сам приобрести фабрику Карла Пересели и открыть собственные камнерезные мастерские. Их он доверил камнерезу из Екатеринбургского художественного училища П.М. Кремлеву. Качество работы здесь быстро возросло, многие лучшие вещи резал сам Кремлев, ему помогали двадцать мастеров. Другой талантливый резчик из Екатеринбурга, Дербышев, поступил к Фаберже в 1908 г.; вскоре он был послан для расширения кругозора и для совершенствования к Идару Оберштейну и в Париж, и в Россию вернулся лишь в 1914 г.

Фигурки животных

Доказан и не подлежит никакому сомнению тот факт, что многие из фигурок животных, созданных фирмой Фаберже. Были вдохновлены японскими нецке, большой коллекцией которых владел сам Карл Фаберже. Его, очевидно, привлекали компактные формы и естественная легкость исполнения этих фигурок из дерева и слоновой кости. Эти черты совершенно не теряют своего очарования и в каменных интерпретациях Фаберже. Его «животные» живы, зачастую юмористичны, а иногда – даже карикатурны. В любом случае, они никогда не статичны и не скучны, стиль и качество работы варьируются в зависимости от замысла и материала. Самое известное собрание такого рода пещей коллекция английской королевы Александры, впоследствии расширенная и дополненная королевой Мэри и находящаяся сегодня в собственности королевской семьи Великобритании. Большинство из этих маленьких скульптур Фаберже существуют в одном экземпляре.

Фаберже использовал разнообразные камни для создания своих животных. Некоторые модели, в частности фигурки из Сандрингемского зоопарка, выполнялись в цвете «реалистически»: тюлень из блестящего обсидиана сидит на льдине из горного хрусталя; для поросят использовался розовый кварц авантюрин; для носорога – серая калканская яшма; для лягушек и жаб – зеленый нефрит или бовенит; дымчатый кварц – для мыши; коричневобелый халцедон – для «Цезаря», норфолктеррьера Эдуарда VII. Фаберже также использовал естественные прожилки в камне, чаще всего агата или яшмы, насколько это было возможно, для имитации меха животных. В более редких случаях Фаберже выбирал для своих животных «неестественные» для них цвета, таким образом, придавая им забавный вид: зеленый петух, бобер или воробей, розовый кролик, синий, красный или зеленый слон. Небольшая группа каменных животных Фаберже представляет собой композиции из нескольких камней: петух из черного обсидиана с гребешком из пурпурина и бородкой из яшмы; зевающий гиппопотам из серой калканской яшмы и розового родонита, выстилающего его разверстую пасть.

Фигурки животных с золотыми или серебряными лапами или клювами иногда имеют клейма, и это позволяет установить дату их создания.

Цветы

Представляющие собой редкость изысканные композиции из цветов работы Фаберже также ведут свое происхождение от восточных оригиналов; в своих записках Ф. Бирбаун вспоминает: «Впервые мы обратили внимание на эту отрасль китайского искусства, когда нам принесли в починку букет хризантем… Благодаря искусному подбору тонов и прозрачности некоторых камней, работа эта производила прекрасное впечатление».

В большинстве случаев цветочные композиции Фаберже помещены в вазы из горного хрусталя, безукоризненно вырезанные так, чтобы создавалось ощущение, будто они наполнены водой. Золотые стебельки цветов тщательнейшим образом отгравированы. У них тонко вырезанные нефритовые листья и эмалевые, с бриллиантами, лепестки цветочного венчика или почки. Некоторые из них, выдержанные в японском стиле, поставлены в бовенитовые горшки. Очень немногие повторяются – среди них можно назвать ландыши, любимые цветы Александры Федоровны, веточки рябины, малины и – одуванчики: «Особенно удачны были изображения одуванчиков, пушок которых был натуральный и укреплен на золотом волоске маленьким алмазом. Блестящие точки алмазов среди белого пушка производили прекрасное впечатление и отдаляли искусственный цветок от слишком близкого подражания природе».

Дизайнеры Фаберже в качестве модели для своих работ часто брали живые цветы. В альбоме фотографий из мастерских Фаберже есть кадры с живыми цветами, в том числе и с корзиной ландышей, почти точно такой же, как и знаменитая корзина ландышей, выполненная Фаберже в 1896 году и ныне находящаяся в коллекции Фонда Матильды Геддингз Грей в Новом Орлеане. Такие визуальные средства использовались художниками Фаберже как источник вдохновения.

Статуэтки

До наших дней дошло примерно 70 каменных статуэток из мастерских Фаберже. Они составлены из цветных полудрагоценных камней, самоцветов из Сибири, с Урала и Алтая.

Статуэтки делятся на четыре категории. Небольшое число их, вероятно, самые ранние, являются портретными изображениями подлинно существовавших людей. Самая большая их часть имела в качестве своих прототипов так называемые фигурки для «привратницкой», популярные в прежние времена статуэтки из бисквитного фарфора, которые часто можно было увидеть в домах простых горожан. Позднейшая серия реалистических карикатур на уличных разносчиков и торговцев, сделанная для Эммануэля Нобеля, который, как говорили, заказал Фаберже более 30 таких фигурок. С небольшими исключениями, все оригинальные статуэтки уникальны: повторения, если они бывают, вырезались из камней иного цвета.

Эти фигурки резались, полировались и, наконец, монтировались П.М. Кремлевым на фабрике Карла Верфеля и, позднее, Дербышевым – наиболее одаренными камнерезами фирмы. Детали из золота или серебра прилаживались в мастерской Генрика Вигстрема. У некоторых фигурок на подошве есть надпись «Faberge» латинским шрифтом или кириллицей, иногда там же стоит и дата. Другие, в серебряной оправе, имеют клейма.

Пасхальные яйца

Первое пасхальное яйцо было заказано Фаберже царем Александром III в 1885 г. Благодаря его мгновенному успеху, Фаберже получил постоянный заказ императорского двора и стал выполнять пасхальные яйца одно за другим, десять – для царя Александра III, которые тот каждый год, вплоть до смерти в 1894 г., дарил своей жене Марин Федоровне; и еще 44 – в период между 1895 и 1916 гг.

Для царя Николая II в качестве подарков для его матери, тогда уже вдовствующей императрицы, и для жены, Александры Федоровны. В общей сложности, но императорскому заказу им было создано 54 пасхальных яйца. Можно также предположить, что несколько яиц были подарены в свое время и другим членам императорской семьи. Сегодня с достоверностью известно, что до нашего времени сохранились 15 пасхальных яиц сделанных по царскому заказу; сохранилась фотография еще одного; еще 5 известны по описаниям. Сохранилось также одно из двух незавершенных пасхальных яиц, работы над которыми велись в 1917 году.

После продажи их советскими комиссарами в 2030е годы эти создававшиеся для царской семьи пасхальные сувениры разошлись по всему миру, 10 пасхальных яиц остались в Оружейной палате в Кремле, одиннадцать находятся в коллекции журнала «Forbes», 13 в американских музеях и оставшиеся 11 – в частных коллекциях.

Серия пасхальных яиц Фаберже, выполнявшаяся для двух российских императоров – самый грандиозный проект, который когдалибо доставался на долю кому – либо из ювелиров. Условий было всего лишь три: яйцеобразная форма, «сюрприз» и отсутствие повторений. «Сюрприз» чаще всего был связан с тем или и иным событием в жизни царской семьи – рождением, годовщиной, совершеннолетием, коронацией. Некоторые из этих пасхальных подарков украшены царскими монограммами и (или) датами, на многих имеются миниатюрные портреты детей императора или изображения царских резиденций, два содержат модели кораблей, на которых плавал последний русский император.

Фаберже отнесся к этому проекты с максимальной серьезностью, часто планируя работу на годы вперед. И, в самом деле, некоторые из этих пасхальных яиц требовали более года работы. Сюрприз, скрытый в подарке царя, сохранялся в большом секрете, даже от самого Императора. Яйцо торжественно преподносилось царю либо самим Фаберже, либо его сыном Евгением и неизменно встречалось с восторгом.

Первые два яйца, – в каждом из которых была миниатюрная фигурка курицы, как кажется, проектировались и выполнялись под пристальным контролем. И в дальнейшем можно часто обнаружить определенную зависимость дизайна новой вещи от предыдущих моделей. Однако уже к середине 90х годов их дизайн становится свободным и смелым. Среди самых удачных примеров можно привести пасхальные яйца, получившие впоследствии следующие названия: «Коронационное» (1897 г.), «Ландыши» (1898 г.), «Анютины глазки» (1899 г.), «Гатчинский дворец» (1901 г.), «300летие Дома Романовых» (1913 г.) и «Мозаичное» (1914 г.;). Завершается серия на приглушенной ноте двумя скромными пасхальными яйцами: «Красного креста» (1915 г.), весьма просто решенным яйцом «Георгиевский крест» (1916 г) и суровым «Военным» яйцом на четырех снарядах (1916 г.).

Некоторые клиенты Фаберже осмеливались подражать императорской семье в ее пасхальной традиции и сами заказывали у него яйца к Пасхе.

Заключение

В данной работе освещена менее чем ничтожная часть всех сведений об истории ювелирного искусства в целом и истории этого дела в России в частности. Об одном только заводе Фаберже, а точнее о шедеврах, сделанных легкими руками мастеров этого завода, написана не одна книга. Правда, сейчас у многих имя Фаберже ассоциируется только с пасхальными яйцами; забываются при этом многие другие красивейшие и гениальные произведения.

В наше время ювелирные изделия стали либо обыденностью (как то, золотая цепочка на шее, пара серег в ушах да несколько колец на руках), либо показателем зажиточности, богатства (что иногда просто доходит до кичливости при отсутствии вкуса у владельца). Очень мало людей, которые способны заказать мастеру ювелирного дела понастоящему красивую, индивидуальную вещь, что радовала бы глаз каждый день, согревала бы душу, была бы неповторима как её хозяин. Таких вещей сейчас не найдешь в магазинах (пусть даже и дорогих, с громкими именами) потому, что они в наше время пытаются «следовать моде». Но так как мода, как известно, вещь очень непостоянная, имеющая привычку меняться много чаще, чем каждый день, то и людям просто не свойственно поспевать за ней никак не изза своей нерасторопности.

Изделия современных ювелиров уже не могут быть неповторимыми, так как все новое – это хорошо забытое старое. Именно эта фраза полным образом отражает нынешние тенденции развития ювелирного творчества в России, да и во всем мире тоже. Но, если мастер действительно умелый и талантливый, он не будет зацикливаться на «массовке», а будет пытаться делать вещи неповторимые, невиданные доселе. И будет обращаться за мотивами своих произведений и к истории дома Фаберже, и к описаниям талисманов и тотемов людей древнего мира потому, что все уже давнымдавно придумано.

Список литературы

1. Коварская С. Я., Костина И. Д., Шакурова Е. В. «Русское золото XIV – начала XX века: из фондов государственных музеев московского кремля» М., 1987.

2. Государственный Эрмитаж, СанктПетербург, Россия; Музей декоративного искусства, Париж, Франция; Музей Виктории и Альберта, Лондон, Англия; «Фаберже – придворный ювелир» Вашингтон, США, 1993.

3. Э. Бреполь «Теория и практика ювелирного дела» СанктПетербург, 2000.

4. Новиков В.П., Павлов В. С. «Изготовление ювелирных изделий» СанктПетербург, 1993.

1Архитектура и строительство
2Астрономия, авиация, космонавтика
 
3Безопасность жизнедеятельности
4Биология
 
5Военная кафедра, гражданская оборона
 
6География, экономическая география
7Геология и геодезия
8Государственное регулирование и налоги
 
9Естествознание
 
10Журналистика
 
11Законодательство и право
12Адвокатура
13Административное право
14Арбитражное процессуальное право
15Банковское право
16Государство и право
17Гражданское право и процесс
18Жилищное право
19Законодательство зарубежных стран
20Земельное право
21Конституционное право
22Конституционное право зарубежных стран
23Международное право
24Муниципальное право
25Налоговое право
26Римское право
27Семейное право
28Таможенное право
29Трудовое право
30Уголовное право и процесс
31Финансовое право
32Хозяйственное право
33Экологическое право
34Юриспруденция
 
35Иностранные языки
36Информатика, информационные технологии
37Базы данных
38Компьютерные сети
39Программирование
40Искусство и культура
41Краеведение
42Культурология
43Музыка
44История
45Биографии
46Историческая личность
47Литература
 
48Маркетинг и реклама
49Математика
50Медицина и здоровье
51Менеджмент
52Антикризисное управление
53Делопроизводство и документооборот
54Логистика
 
55Педагогика
56Политология
57Правоохранительные органы
58Криминалистика и криминология
59Прочее
60Психология
61Юридическая психология
 
62Радиоэлектроника
63Религия
 
64Сельское хозяйство и землепользование
65Социология
66Страхование
 
67Технологии
68Материаловедение
69Машиностроение
70Металлургия
71Транспорт
72Туризм
 
73Физика
74Физкультура и спорт
75Философия
 
76Химия
 
77Экология, охрана природы
78Экономика и финансы
79Анализ хозяйственной деятельности
80Банковское дело и кредитование
81Биржевое дело
82Бухгалтерский учет и аудит
83История экономических учений
84Международные отношения
85Предпринимательство, бизнес, микроэкономика
86Финансы
87Ценные бумаги и фондовый рынок
88Экономика предприятия
89Экономико-математическое моделирование
90Экономическая теория

 Анекдоты - это почти как рефераты, только короткие и смешные Следующий
Мужик приходит с тёщей в тир ДОСААФ, а инструктор ему говорит:
- Извините, но у нас со своими мишенями нельзя.
Anekdot.ru

Узнайте стоимость курсовой, диплома, реферата на заказ.

Обратите внимание, реферат по культурологии "Дизайн ювелирных изделий: от ритуала к моде", также как и все другие рефераты, курсовые, дипломные и другие работы вы можете скачать бесплатно.

Смотрите также:


Банк рефератов - РефератБанк.ру
© РефератБанк, 2002 - 2016
Рейтинг@Mail.ru