На выходных я посетила один из моих самых любимых музеев — "Музей Востока". Помимо постоянно действующей экспозиции, в эти дни проходила временная выставка, посвящённая японской живописи, которая оставила у меня очень лёгкое и светлое впечатление.
Все работы необычно выделялись тем, что выполнены на шёлковой ткани тушью и красками, а также с помощью гофуна (пигмент из растёртых раковин), и висели как раскрытые, вытянутые в длину свитки, прикреплённые к лёгким рамкам в виде перекрещенных деревянных палочек. По-моему, уже это придало всей выставке необычную атмосферу, потому что мой взгляд привык к совершенно традиционным формам во время других посещений подобных выставок.
Немного об истории японской живописи. Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом, откуда в начале VII века и было позаимствовано искусство изготовления красок, бумаги и туши.
В течение периода Muromachi (1338-1573), Япония имела широкие торговые отношения с Китаем, и китайские картины начали пробиваться в дома богатых японских дворян. Постепенно привился вкус к китайским картинам и состоятельная знать начала заказывать работы исключительно в этом стиле. Японские художники старались не копировать китайский стиль напрямую, добавляя местный колорит и палитру, что в свою очередь позволяет говорить об исключительно собственных достижениях. Вообще, японская живопись периода Muromachi отождествляет глубокий смысл места и пытается пересказать историю.
Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в странах Дальнего Востока генетически связано с искусством каллиграфии. В Японии, в частности, существует понятие единства каллиграфических и живописных принципов. Соответственно в японской живописи, как и в китайской, издавна большую роль играет линия и распространены монохромные картины. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует преувеличивать. Характерно, например, что во времена японского средневековья довольно долго основным течением в живописи было суйбокуга. Произведения в стиле суйбокуга создавались тушью, при этом показывалась игра света и тени на предметах, но отсутствовали контурные линии.
Как хорошо,
когда, на столе развернув
редкостный свиток, чтенью предашься душой
и созерцанью картин.
Татибана Акэми (1812-1868)
Почему именно свиток используется в японской живописи? Я узнала, что в отличие от европейских картин свитки не предназначались для длительного показа. Их вынимали из футляров в связи с какими-либо событиями — по случаю празднеств, или приёма гостей, или же когда у владельца просто возникало желание отрешиться от «грубой» действительности, погрузившись в созерцание живописи.
Большое значение для судеб японской живописи (равно как и скульптуры) имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой практики создавали определённый спрос на произведения этих видов искусства. Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч.
У свитка среди всех форм особое место. Любой свиток — это полоса шёлка или бумаги, как котором выполняется живопись (как и каллиграфия) и которая затем монтируется в специальное обрамление (порча и шёлк). Сама форма свитка обладает сокровенной значимостью, и предполагает определённый ритуал обращения.
Восприятие живописи считалось всегда таким же творческим процессом, как и создание её, поскольку зрителю, желающему уловить подлинный смысл произведения, необходимо всепоглощающее погружение в него, переживание, близкое авторству. Из рассказа японского прозаика Акутагава Рюноскэ «Одержимый творчеством» (сцена встречи известного писателя Бакина и прославленного художника Кадзана): «При взгляде на этот выдержанный в строгих, неярких тонах свиток глаза Бакина увлажнились и засияли»…
Наверно, созерцая спокойные тона умиротворяющих пейзажей, я была близка к подобным чувствам! Тематика большинства картин — это зимние пейзажи, водопады, знаменитая гора Фудзи, животные (цапли, журавли, птички) и, конечно, ветка сакуры. Форма свитка очень хорошо позволяет передать ощущение пространства, на мой взгляд, в сочетании с цветовым решением и расположением композиции.
Кстати, привычного для японской культуры персонажа как самурай не было, если не считать чуть ли не одиночной по военной тематике композиции «Ёсииэ-но Минамото на коне». Ёсииэ олицетворял начало военной традиции в известном клане Минамото, и его потомки с гордостью выкрикивали его имя среди грохота битвы. Впервые он прославился во время Первой девятилетней войны (1051–1063), в которой сражался его отец.
Среди кланов Востока на первом месте стоят два имени. Это кланы Тайра и Минамото. Клан Тайра обязан своим возникновением политике удаления от двора лишней знати. Со временем Минамото сделались соперниками Тайра. Они тоже происходили от императорской фамилии и вынуждены были переселиться на Восток, поскольку рождение слишком большого числа принцев обременяло бюджет двора. И Тайра, и Минамото прославились своими военными заслугами перед правительством.
Так же единственной в своём роде на этой выставке была картина «Актёр театра Но». Ничего более того, что театр Но является достоянием японской традиции, я не знала до этого, поэтому остановлюсь подробнее на истории, связанной с изображаемым.
Маски театра НО. Неотъемлемая часть представления — маска, которая играет в театре Но настолько существенную роль, что его нередко называют театром масок. И хотя театр масок существовал в истории многих национальных культур, лишь в Японии он стал не стадией в развитии сценического искусства, а постоянной, неувядающей традицией.
Истинная ценность признаётся только за теми масками, которые были сделаны до XVIII века, поэтому их называют «исконными масками». Остальные же относят к «копиям» тех, старинных масок. В настоящее время актёры, в основном, играют в масках-копиях. И лишь в особых, торжественных случаях и только великий актер может выйти на сцену в драгоценной старинной маске. Известен, например, такой случай: выдающийся японский актёр ХХ века Хосё Куро выступал однажды со своим талантливым учеником по имени Мацумото. У Мацумото не оказалось с собой необходимой для образа маски. А играть он должен был благородного старца. Тогда какой-то коллекционер, находившийся рядом, предложил молодому актеру маску старца. Маска была настолько искусна и совершенна, что учитель Хосё Куро вернул ее законному владельцу со словами, что Мацумото не достиг ещё такого актёрского совершенства, чтобы играть в подобной маске.
В настоящее время у масок театра НО существует более двухсот установленных типов личин: добрые и злые старики и старухи, демоны, буддийские и синтоистские божества, свирепые воители, а также земные и небесные красавицы. Хорошая маска изготовлена таким образом, чтобы в зависимости от движений актёра и угла освещения её выражение менялось. Например, если актёр слегка поднимет голову кверху, то маска будет выглядеть радостной, а если опустит вниз — грустной. Маска, по сравнению с лицом, очень маленькая. Она создаётся такой в соответствии с канонами японской красоты. Во-вторых, глазные отверстия в маске чрезвычайно узкие. Через них актёр может видеть только маленький кусочек сцены, либо публику задних рядов.
Вырезают их из японского кипариса хиноки, древесина которого отличается лёгкостью и мягкостью, а вместе с тем она прочна, красива и хорошо поддаётся художественному оформлению. Процесс изготовления маски чрезвычайно долгий и трудоёмкий. Только на то, чтобы подготовить древесину, уходит 10-12 лет (!), в течение которых брёвна выдерживают в воде и сушат, чтобы изделие было прочным.
Поделив бревно на небольшие брусочки, начинают вырезать собственно маску. После этого её грунтуют и раскрашивают. А по окончании всех этих процедур наступает самый ответственный момент — состаривание маски. Её коптят над дымом для того, чтобы придать благородный налёт древности. И заключительный этап создания произведения искусства — детальная прорисовка. Интересную деталь: когда мастер рисует маске причёску, ему приходится задерживать дыхание для того, чтобы «волосы» легли предельно ровно.
Благоговение перед маской у японцев выразилось также в традиции давать ей имена. Наиболее известны три старинные маски юных красавиц с именами Снег, Цветок и Луна. Обладание старинными масками высоко поднимает престиж труппы театра НО даже в наше время, когда сверхценные маски признаны национальными сокровищами и находятся в крупнейших музеях Японии.
Как я уже упоминала, самыми распространёнными на выставке были различные пейзажи и цветочная тематика с какими-либо животными. Мне очень понравились работы Кодзё Асами «Лошадь под цветами сакуры» и «Зимний пейзаж».
Своё развитие жанровая и пейзажная живопись получает с VIII века в Японии. До наших дней дошла ширма под условным названием «Женщина с птичьими перьями». На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы и кимоно её украшены перьями. Рисунок исполнен лёгкими, струящимися линиями. Кстати, свитки была не единственно представленной формой! Очень эффектно смотрелась ширма с монохромными тиграми (а может, тигр был и один, но в движении) в зале с композициями, посвящённой разным животным в видении японских мастеров.
Примером художественного и функционального сочетания, характерного для искусства эпохи Эдо (1615-1868) является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное функциональное назначение в интерьере японского жилища, предмет быта. Одновременно это — картина, произведение искусства, определяющее эмоциональный тонус жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» — самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.
С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись, картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль декоративных панно — да-ми-э. Такие панно писали сочными красками на золотой фольге.
Что касается цветочных мотивов, то он наиболее распространен в искусстве Японии, и которых было достаточно на выставке. В живописи возник особый жанр — «цветы-птицы» (катёга); например, выставочная «Нандина и нарциссы» (и маленькая птичка на веточке). Жанр возник в Китае примерно в IX в., а в Японию попал во второй половине XIII в. с распространением буддийской секты чань (яп. дзэн). Этот жанр тесно связан с благожелательной и морально-этической символикой, которая закрепилась за различными растениями, цветами и птицами. В катёга имеются свои разделы — «пух и перо» (изображения птиц), содзюга (живопись диких животных).
Признаком высокого уровня развития живописи является существование в конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку, Сога, Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период, принадлежат не только известным живописцам, но и оставшимся безвестными мастерам, поэтому меня поразило на выставке достаточное количество великолепных работ, но неизвестного авторства!
Итак, живопись относится к числу наиболее сложных для западного зрителя видов японского искусства.
Барьер создаётся не столько необычными формами, такими как горизонтальные и вертикальные свитки, ширмы, экраны, фусума (раздвоенная перегородка в японском доме, оклеенная с двух сторон плотным картоном), веера, сколько самой художественной системой, базирующейся на иных, нежели западные, принципах мировосприятия и его эстетические воплощения. Даже радующие глаз декоративные произведения японских художников не так просты, как может показаться.
Это и порождает основные трудности на пути западного зрителя и именно в этом заключается новизна и необычность, за которыми европейский зритель может открыть для себя новые аспекты видения и познания.
Живопись является одним из самых тонких видов дальневосточного искусства. Широкий художественный диапазон, в котором органично переплетаются минимальная изобразительность и философский подтекст, детализированные жанровые сцены и декоративная условность. Утончённый эстетизм, что и определило её положение как искусства для избранных.
Чтобы дополнить впечатления, полученные от Японии, я перешла после живописи в зал постоянной экспозиции по Японии, где есть много полочек, заполненных нэцкэ, которые я скрупулёзно рассматривала, погружаясь в историю…
Нэцкэ — жанр японской мелкой пластики. Происхождение их чисто практическое: поскольку традиционная одежда японцев не знает карманов, все необходимые мелкие предметы прикреплялись к поясу с помощью небольших брелков — нэцкэ. Вместе с тем, сохранив свое функциональное назначение, нэцкэ превратились в силу непреходящих эстетических потребностей народа в разновидность тонкой миниатюрной скульптуры.
В нэцке преломился художественный канон средневековья в сочетании с ренессансной раскованностью искусств в эпоху Эдо. Эти произведения миниатюрной пластики как бы сфокусировали в себе тысячелетия пластического опыта Японии: от диковатых догу Дзёмона, ханива Поздних Курганов до канонической культуры средневековья, каменных будд и живого дерева Энку. Из классического наследия заимствовали мастера нэцкэ богатство экспрессии, чувство меры, завершённость и точность композиции, совершенство деталей. Материал для нэцкэ был самым различным: дерево, слоновая кость, металл, янтарь, лак, фарфор. Над каждой вещью (как правило, не более 10 см в высоту) мастер трудился иногда целые годы. Тематика их варьировалась безгранично: изображения людей, животных, богов, исторических лиц, персонажей народных, поверий. Расцвет такого чисто городского вида прикладного искусства приходится на вторую половину XVIII века.
Мне показались интересными нецкэ из серии Лисы-оборотни (XIX в.) и Рюри, обезьяна сонгоку с пауком. Остальные выглядели довольно зловеще и несимпатично, на мой вкус. Вот некоторые из божков.
Дайкоку и Эбису — счастье и удача, идущие рука-об-руку. Два бога счастья: Дайкоку изображается в костюме-кари-гину, в шапке тори-эбоси, с молотком, крысой и мешком. Считается, что с каждым ударом колотушки увеличивается счастье, здоровье и любовь, а мешок с волшебным рисом, который он держит в руке, символизирует богатство и достаток. Эбису изображается с волшебной рыбой Тай — символом удачи.
Хогпэй — "холщовый мешок" — один из семи богов счастья: бог общения, веселья и благополучия. Он предопределяет людские судьбы и помогает в осуществлении заветных желаний. С этим связано поверье: если потереть фигурку Хотэя по животу 300 раз, думая о чем-то хорошем, то загаданное обязательно исполнится. Изображение Хотэя связано с конкретным персонажем, который жил в Китае в Х веке: маленький, толстый монах по имени Ци Цы с большим холщовым мешком и четками, ходивший по деревням. Легенда гласит, что там, где он появлялся, к людям приходила удача, здоровье и благосостояние. Если кто-то спрашивал, что находится в его мешке, он отвечал, что там у него весь мир. Однажды, будучи уже пожилым, сидя у какого-то храма, Хотэй сказал: «Эх, люди, люди, не узнали вы меня. Ведь я — грядущий Будда-Майт-рейя». И, действительно, Хотей считается эманацией Будды-Майтрейя. На Дальнем Востоке пришествие Будды-Майтрейя, которое понималось как упорядочение Вселенной, как достижение мировой гармонии, в народном осмыслении означало наступление эры процветания, благополучия, довольства и беззаботной жизни всех людей. Не случайно Хотэй считался воплощением счастья и беззаботности. В ХVII в. образ Хотея был канонизирован.
Эбису ¬— бог счастья и удачи. В нэцкэ Эбису изображается в высокой шапке, с удочкой и рыбой Тай, иногда он выступает как покровитель рыбаков. Священная рыба Тай — символ удачи и духовных достижений. Очень трудно поймать священного карпа голыми руками в чистой небесной воде — так же трудно достичь душевного спокойствия и просветления.
Шоусин — один из богов счастья, приносящий здоровье, исцеление от тяжелых, смертельных недугов и долголетие. Покровитель медицины. Изображается с огромным посохом из корня женьшеня и волшебным персиком в руке, приносящем бессмертие. Часто к посоху привязана тыква-горлянка с чистой, хрустальной водой — символом жизни.
Дзаошень — хранитель домашнего очага. Иногда изображается с круглой табличкой в руке, куда записываются все нужды и пожелания. 24 декабря Дзаошень отправляется на небо и отчитывается в небесной канцелярии о том, как он охраняет дом и помогает в хозяйстве, передает все пожелания и они обязательно исполняются. Часто у Дзаошеня присутствуют атрибуты, символизирующие здоровье и долголетие: волшебный персик, тыква-горлянка с чистой водой. Если рядом с Дзаошенем изображается мешок, то к пожеланиям здоровья и счастья, можно добавить пожелания богатства и достатка.
В заключение… Произведения искусства японских мастеров не только хранят верность древним стилям, но и всегда имеют в себе то новое, что нет ни у одного другого произведения искусства. В японском искусстве нет места штампам, шаблонам. В нем, как и в природе нет двух совершенно одинаковых творений. И даже сейчас произведения искусства японских мастеров нельзя спутать с произведениями искусства других стран. В японском искусстве время замедлило свой ход, но оно не остановилось. В японском искусстве традиции далекой древности дожили до наших дней. От нас же требуется открытие непривычному, осознание стереотипных и многих общепринятых понятий. Каждый, думаю, открывает особую грань для себя, и точно определить её до конца невозможно.